“A donde vamos no necesitamos carreteras…” 32 años de un clásico del cine moderno “Regreso al futuro”».

22/07/2017 Texto por: SAS

¡¡ATENCIÓN: ADVERTENCIA IMPORTANTE DE SPOILERS!! ESTE ARTICULO CONTIENE INFORMACIÓN SOBRE PARTE DEL ARGUMENTO DE LAS PELÍCULAS.

regreso-al-futuro-trilogia-original

«Con los años he logrado entender al completo esta trilogía de la que el famoso científico Carl Sagan aseguró que son unas de las mejores películas que jamás se han filmado».

El mayor error que he cometido en mi vida fue ver Regreso al futuro IIBack to the Future II (1989, Robert Zemeckis) antes que la primera parte… Bueno, yo solo era un chaval de apenas 10 años que iba a ver una película que algún compañero del colegio me había recomendado encarecidamente. A pesar de que no me enteré de la mayor parte de la película (¿qué podía esperar?) me encantó dicho filme y, entonces, decidí poner remedio a mi terrible equivocación y alquilé en un videoclub de mi barrio (¿alguien recuerda lo que era eso… “piratillas” de internet…?) la primera Regreso al futuro, Back to the Future (1985, Robert Zemeckis) y, sólo entonces, pude entender algunas cosas: lo que mi pueril mente de chaval preadolescente de diez años pudo alcanzar. Con los años he ido revisitando periódicamente esta trilogía clásica de la ciencia ficción norteamericana y he logrado entenderla al completo, de la que el famoso científico Carl Sagan aseguró ser unas de las mejores películas que jamás se han filmado.

Regreso al futuro I, o cómo hubiese sido ir con mi padre al colegio

_20170721_171251

El año natural del Marty McFly.

El resumen de la película es muy simple: un chaval de 19 años, que ha viajado accidentalmente al pasado en una máquina del tiempo, interfiriendo con sus propios progenitores, debe lograr que sus padres se enamoren para asegurar así su propia existencia. En resumen esa es la línea maestra del guión firmado por Bob Gale y Robert Zemeckis a cuatro manos. La idea se le ocurrió al propio Gale que, cierto día trasteando en el desván, encontró una fotografía de la graduación de su padre y este se preguntó: “¿Qué podría haber pasado si hubiese coincidido con mi padre en el instituto? ¿Hubiésemos sido amigos…?” A partir de aquí, Gale ideó una historia en el que su protagonista viaja al pasado e interfiere accidentalmente con sus padres, en donde su propia madre se enamoraba de él y, al mismo tiempo, se hacía amigo de su propio padre para poder salvarse a si mismo.

bttfset

Bob Gale y Robert Zemeckis (de izquierda a derecha), los padres de Regreso al futuro, conversando en 1985 durante el rodaje de la primera parte de la trilogía.

Era una idea magnífica pero ningún estudio quería hacerla: una de las principales razones, aunque parezca sorprendente, era porque resultaba demasiado blanda en comparación con las películas sobre adolescentes subiditas de contenido sexual que se estaban haciendo y que estaban triunfando por aquella época de principios de los ochenta como Los incorregibles albóndigasMeatballs (1979, Ivan Reitman) o Porky’s (1982, Bob Clark). Gale y Zemeckis hicieron hasta 40 intentos para llevarla a la pantalla, pero hasta que Zemeckis no obtuvo el éxito masivo con Tras el corazón verdeRomancing the Stone (1984, Robert Zemeckis), los estudios Universal no le dieron luz verde al proyecto de Regreso al futuro. Eso, y que Spielberg apostó siempre por el proyecto de los viajes en el tiempo de Gale y Zemeckis.

La moraleja de la historia está clara: todo lo que hagas en el pasado, te repercutirá en tu futuro. Cuando empieza el filme, George McFly, el padre de Marty, es el pelele de Biff: le redacta los informes en casa fuera del trabajo, le roba las cervezas, le coge el coche a George y se lo destroza… Marty observa, al viajar hacia el pasado, que cuando eran jóvenes sucedía exactamente lo mismo entre Biff y su padre: el joven Biff hacía que George le redactara los deberes del instituto, se aprovechaba de él, etc. Sólo cuando Marty viaja al pasado y consigue que su padre le plante cara a Biff, George arregla su futuro. Además, el George McFly del inicio del filme nunca apostó por él mismo: Marty descubre que cuando su padre era joven escribía historias de ciencia ficción y que, con el paso de los años, acabó por dejar. Pero, al acabar la primera parte de la trilogía, el George McFly que apostó por él mismo, edita su primera novela de ciencia ficción y (qué curioso) Biff acaba siendo su “sirviente”.

«La moraleja de Regreso al futuro I está clara: todo lo que hagas en el pasado, te repercutirá en tu futuro… Sólo cuando Marty viaja al pasado y consigue que su padre le plante cara a Biff, George arregla su futuro».

Regreso al futuro II, o cómo hacer una película sobre el futuro sin equivocarse demasiado 

_20170721_171906

El futuro de Marty McFly.

Debido al enorme éxito que obtuvo la primera parte, los directivos de la Universal casi “obligaron” a los productores a hacer la segunda parte. Aunque Gale y Zemeckis tan sólo les pusieron una condición: poder filmar una tercera parte que se empezaría a rodar justo al acabar la segunda, algo que marcó un precedente en la industria cinematográfica. Universal aceptó y presupuestó las dos secuelas por 80 millones de dólares: 40 para cada una de ellas.

De hecho, a Zemeckis nunca le entusiasmó rodar el “futuro” porque, según el cineasta: “resultaba demasiado arriesgado hacer predicciones ya que, a la larga, pueden resultar descabelladas”. De todos modos, hubiese sido absurdo no hacerlo ya que tenían una oportunidad de oro y, además, la audiencia lo estaba esperando. Así pues, se volvió a reunir a todo el equipo técnico y al casting original para las dos secuelas. A todos menos a Crispin Glover, el actor que interpretó al padre de Marty McFly que, por desacuerdos con sus royalties, no participó en las secuelas. Glover exigía unas condiciones económicas que los productores no creyeron adecuadas para su estatus como actor. Así pues, Glover declinó la oferta y el guionista optó por matar al personaje.

«A Zemeckis le interesó más volver a 1955 para filmar la historia vista en la primera película desde otro ángulo, que filmar el “futuro” (pasado) de la Hill Valley de 2015».

backtothefuture

De izquierda a derecha: Christopher Lloyd (Doc Emmett Brown), el director de la cinta, Robert Zemeckis y Michael J. Fox (Marty McFly) en una fotografía de 1989 durante el rodaje de Regreso al futuro II en el ‘set’ de la Hill Valley del “futuro” 2015.

Lo que realmente le interesó a Zemeckis, más que filmar en el “futuro” (pasado) de la Hill Valley de 2015, fue volver al año 1955 para filmar la historia vista en la primera película desde otro ángulo, algo que marcó otro precedente en la historia, ya que esto no se había hecho anteriormente en ninguna otra película. Para ello, Zemeckis pidió a ILM (Industrial Light and Magic), la empresa que se encargó de los efectos especiales propiedad de George Lucas, que construyera la VistaGlide, una cámara especial para filmar en un mismo plano al mismo actor interactuando entre sí.

De hecho, ese es uno de los aspectos más interesantes de la historia que, esta vez, se centra en el personaje de Biff Tannen: el viejo Biff de 2015 descubre que Doc Brown inventó una máquina del tiempo y, en un momento de despiste de Marty y el científico, el antipático anciano usa el DeLorean para darse a sí mismo en el pasado 1955 un almanaque con los resultados de los últimos cincuenta años de toda clase de eventos deportivos. Eso hace que se cree un 1985 alternativo en donde Biff es un cruel multimillonario que gobierna Hill Valley a sus anchas y se casa con la madre de Marty. Además, también descubrimos que Biff mató a George McFly (así, Bob Gale arreglaría la ausencia de Glover en la película). Marty y Doc deben volver a 1955 para evitar que Biff logre su objetivo, aunque, al volver al pasado, nuestros protagonistas se encontrarán con alguna que otra paradoja temporal (curiosamente, el título en clave para la película fue Paradox, Paradoja en español).

nike-air-mag-marty-mcfly-lancement-2015

Las Nike Air MAG, con los “robo-cordones” con los que alucina Marty, al final se materializaron en 2011 pero sin los “robo-cordones”… ¡Lástima!

Al final, pese a que Zemeckis se mantenía reacio a filmar en el futuro porque no quería predecir ninguna burrada, predijo bastantes cosas como las tablets, las videollamadas o las gafas celulares que usa la hija de Marty McFly (atención: ¡interpretada por el mismo Michael J. Fox!). Los coches voladores, los aeropatines o las chaquetas que se secan solas son aún cosas del futuro real, mientras que la Pepsi Perfect o las Nike Aire MAG se materializaron en honor de esta película.

Regreso al futuro III, o cómo viajar al salvaje Oeste americano y volver justo a tiempo

_20170721_171124

El pasado de Marty McFly.

«El gran mérito de Regreso al futuro III quizás fuera que se hizo en una época (principios de los años 90) en que el género del western estaba pasado de moda en la gran pantalla».

Para el capítulo final de la trilogía, los productores ya sabían dónde (mejor dicho, cuándo) transcurriría esta película: en el salvaje Oeste americano de 1885. La elección fue, de hecho, del propio J. Fox. Durante la primera película, Gale y Zemeckis le preguntaron: “Oye, Michael: ¿a dónde te gustaría viajar si tuvieras el DeLorean de la película?” La respuesta del actor fue directa: “¡Al Oeste!” Así pues, todo el equipo se embarcó a hacer un western mientras aún estaban acabando de editar el segundo filme.

Lo cierto es que todo el equipo de las dos primeras entregas quería hacer un western: desde Michael J. Fox hasta Dean Cundey, el director de fotografía del filme, por no mencionar a los creadores originales de la saga Bob Gale y Robert Zemeckis. Según este último: “El Far West representa el Romanticismo Americano… Todo cineasta quiere hacer un western, de hecho teníamos un montón de especialistas dispuestos a convertirse en indios, vaqueros y soldados de la caballería montada para la tercera parte.” El gran mérito de Regreso al futuro III quizás fuera que se hizo en una época (principios de los años 90) en que el género del western estaba pasado de moda en la gran pantalla.

behind-the-scenes-bttf-future-back-3

Arriba, el equipo técnico de Regreso al futuro III rodando un plano con Christopher Lloyd y Michael J. Fox subidos “a lomos” del DeLorean. Abajo, el fotograma del mismo plano rodado en la fotografía superior en donde aparecen Doc y Marty intentando alcanzar los 120 km/h encima del DeLorean, arrastrado por un tropel de caballos.

bttf3

«En esta última, el protagonista de la función es Doc y el romance que surge entre él y Clara Clayton. Es este romance el que introduce dilemas morales muy interesantes en los personajes».

El gancho de la película, en esta ocasión, estuvo en que Emmett le envía una carta a Marty a través de un misterioso mensajero justo al final de la segunda parte en donde le dice a Marty que se encuentra sano y salvo en el lejano Oeste norteamericano. Pero, más adelante, se descubre que tras enviarle la misiva, Bufford Tannen, un antepasado de Biff, mató al científico por una deuda. Marty decide viajar con el DeLorean (oculto durante 70 años en una cueva) al viejo Oeste para salvar a Doc. El conflicto, en esta ocasión, está en el personaje del científico, que se enamora de una dama en apuros: la profesora Clara Clayton recién llegada a la Hill Valley de 1885.

Zemeckis explica cómo Marty, de hecho, no es el protagonista de ninguna de las películas de Regreso al futuro sino que actúa cual maestro de ceremonias de la trilogía fílmica: en la primera película es su padre, George McFly, el verdadero protagonista de la historia. En la segunda entrega, el protagonismo lo adquiere Biff, quien intenta beneficiarse de los viajes en el tiempo tan sólo para su provecho. En esta última, el protagonista de la función es Doc y el romance que surge entre él y Clara Clayton. Es este romance el que introduce dilemas morales muy interesantes en los personajes sobre si volver al futuro o bien quedarse en el pasado con el riesgo de poder morir en el intento.

«Sólo cuando el expresidente Ronald Reagan citó en un discurso sobre la Nación: “Llevémos a América hacia el futuro, donde no necesitemos carreteras…”, los productores de la saga se dieron cuenta del impacto que habían causado sus indelebles películas».

Además el guión firmado por Gale de nuevo, contenía la problemática de poder viajar al futuro: el depósito de gasolina del DeLorean fue alcanzado por una flecha india y los protagonistas no pueden repostar combustible. La única manera de alcanzar los 120 km/h para regresar al futuro es que una locomotora de vapor empuje del DeLorean a tal velocidad (cosa que no era tan fácil en aquellos tiempos de la Segunda Revolución Industrial). El climax de la película fue realmente soberbio con el DeLorean tirado por la locomotora mientras explotan los leños de colores a punto de despeñarse con el barranco. Por lo general, la tercera parte fue más aplaudida por la crítica que la segunda.

En resumen, esta trilogía ha permanecido como unas de las mejores películas de ciencia ficción que se han realizado jamás y han logrado aguantar estoicamente el paso del tiempo. En cierta ocasión, el expresidente Ronald Reagan dijo en un discurso sobre la Nación: “Llevémos a América hacia el futuro, donde no necesitemos carreteras…”, parafraseando a Doc durante el final del primer filme. Fue sólo entonces cuando los productores de la saga se dieron cuenta del impacto que habían causado sus indelebles películas.

BTTF-III-alternate-poster2

El póster que jamás se vio de Regreso al futuro III, original de Drew Struzan, el mago de las ilustraciones de los tres filmes. En este, el propio Struzan comenta que realizó dos carteles promocionales y que los productores (Gale y Zemeckis) eligieron el que Marty se ve ataviado como Clint Eastwood, descartándo el mítico disfraz de vaquero rosa con el átomo nuclear bordado en él.

Continúa en el WorPress de “Friki Non Plus Ultra”32 frikadas que seguramente no tenías ni idea sobre la trilogía de “Regreso al futuro”…

«“Hook”: 25 años de un clásico “maldito” de Spielberg».

27/12/2016  Texto por: SAS

¡¡ATENCIÓN: ADVERTENCIA IMPORTANTE DE SPOILERS!! ESTE ARTICULO CONTIENE INFORMACIÓN SOBRE PARTE DEL ARGUMENTO DE LA PELÍCULA.

hook

«Por alguna extraña circunstancia, Hook marcó mi vida mucho más que otros grandes filmes de su director. Fue, quizás, la primera vez que me reconocí a mi mismo como espectador de cine, y aquel hecho tuvo un gran impacto en mi».

Este diciembre se han cumplido 25 años del estreno de una de las películas que más marcaron mi pubertad: Hook, el capitán Garfio (1991, Steven Spielberg). Fue el segundo filme que vi en el cine del gran realizador de Ohio con apenas 12 años. La fuerza de las imágenes rebosantes de fantasía dejaron una marcada impronta en aquel niño que, desde aquél preciso instante, empezó a mostrar interés por el arte cinematográfico. Años después estudié lenguaje audiovisual dentro de la carrera de Bellas Artes, quizá influenciado por el día en que vi Hook en aquella sala de cine ya desaparecida. Por alguna extraña circunstancia, la película marcó mi vida mucho más que otros grandes filmes de su director como Indiana Jones y la última cruzada (1989, Ídem) o Encuentros en la tercera fase (1977, Ídem). Fue, quizás, la primera vez que me reconocí a mi mismo como espectador de cine, y aquel hecho tuvo un gran impacto en mi.

El niño que no quería crecer (pero que creció)

hook-2

El desaparecido actor Robin Williams interpretó al niño que no quería crecer en la cinta de Spielberg. En la imagen, Peter Pan rodeado por los Niños Perdidos.

Hook cuenta, a grandes rasgos, la historia de Peter Pan, el niño que no quería crecer, que finalmente abandonó el País del Nunca Jamás para crecer y así poder ser padre, aunque hay muchos más temas en ella. Antes de esa idea, Spielberg abandonó a mediados de los ochenta el intento de adaptación del clásico de J. M. Barrie en un musical que iba a protagonizar Michael Jackson en leotardos (sic). Dicho musical (¡por suerte!) se canceló y, entonces, el guionista James V. Hart se hizo cargo del guión reescribiéndolo según la premisa que le dio por casualidad su propio hijo cuando este le preguntó: “Papá, ¿creció alguna vez Peter Pan?”. A partir de aquí, todo vino, nunca mejor dicho, volando. Spielberg volvió al proyecto, único realizador capaz de llevar a la gran pantalla la historia de Peter Pan. El mismo director reconocería: “Siempre me sentí como Peter Pan, ha sido muy difícil para mi crecer, de hecho soy una víctima del síndrome de Peter Pan”. Pero, además de esa línea argumental que, aparentemente, puede resultar algo simplona, se ocultan otras subtramas que enriquecen este memorable filme. El paso inexorable del tiempo está siempre de manifiesto en el personaje de Garfio, un hombre adulto que tampoco quiere crecer: detesta los relojes (es decir, el paso del tiempo), incluso tiene un “museo de relojes rotos” de famosos piratas que, en palabras del propio Garfio: “exhalaron su último tic-tac hace ya mucho tiempo”.

garfio-jack-2

El capitán James Garfio (Dustin Hoffman) inicia a Jack Banning (Charlie Korsmo) en la piratería regalándole su primer pendiente en forma de garfio.

El macguffin que hace avanzar la trama son precisamente los hijos de Peter Pan, secuestrados por el malvado capitán Garfio. Sin embargo Smee, el singular contramaestre de Garfio interpretado brillantemente por Bob Hoskins, va más allá sugiriéndole a su capitán que se vengue de Peter Pan haciendo que sus propios hijos le quieran. No le funciona con Maggie pero sí con Jack, que empieza a cogerle el gusto al mundo que le muestra el capitán Garfio. De hecho, si la película se titula “Hook” y no “Pan” es por algo. Garfio es el verdadero maestro de ceremonias de la función que le muestra a Jack Banning (el hijo de Peter Pan) lo cruel puede ser el mundo de los adultos y, entonces, le agasaja a regalos para comprar su afecto.

«Dustin Hoffman construye una interpretación memorable del famoso capitán Garfio plagado de dilemas existenciales».

A tenor de las actitudes ruines y mezquinas del capitán Garfio, Dustin Hoffman construye una interpretación memorable del famoso capitán de estilo victoriano. El momento “a lo Hamlet” de la película, en el que Garfio le pide a Smee que “no trate de deternerlo” cuando este empuña una arma para suicidarse, es uno de los mejores de la cinta. Esa secuencia histriónica muestra el carácter narcisista del capitán Garfio, plagado de dilemas existenciales y, además, pone de manifiesto la máxima de que “cualquier tiempo pasado fue mejor” cuando el capitán recuerda al Peter Pan de antaño.

dustin-hoffman-in-hook-1991

Dustin Hoffman realiza una interpretación sobresaliente en Hook, con algunos momentos cuasi shakesperianos.

John Williams tocándome el alma

Sin duda alguna, uno de los recuerdos más fuertes que me dejó esta película fue la maravillosa banda sonora que compuso John Williams para acompañar emocionalmente las imágenes filmadas por Spielberg. La “suite”, como la calificó el propio Williams en el prólogo escrito para el libreto del disco, fue vibrante, fantasiosa, escalofriante y, en mayor parte, nostálgica. Las notas se sucedían una tras otra poniéndome los pelos de punta en aquella sala de cine mientras me tocaban el alma, sobre todo en los cortes “The Arrival of Tink and the Flight to Neverland”“You Are the Pan” o “Farewell Neverland”, piezas en donde Williams muestra su inconmesurable genio compositivo invocando musicalmente las musas que habitan en las regiones desconocidas de la psique humana. La “marcha de Garfio”, por contra, expuesta en “Presenting the Hook” es ora oscura, ora orquestral pero siempre majestuosa la cual hace un retrato musical perfecto del pérfido Capitán Garfio y manifiesta, por si fuera poco, la camaradería que hay entre los piratas que poblan el muelle de Nunca Jamás.

«Williams muestra su inconmesurable genio compositivo invocando musicalmente las musas que habitan en las regiones desconocidas de la psique humana en la “suite” de Hook vibrante, fantasiosa, escalofriante y, en mayor parte, nostálgica».

La banda sonora, una de las mejores para mi de las muchas que ha compuesto John Williams a lo largo de su dilatado trabajo de compositor de música para cine, estuvo nominada al Grammy en 1993 en la categoría de Mejor álbum de banda sonora original instrumental escrita para una película o televisión, perdiéndolo, a mi juicio injustamente, ante Howard Ashman y Alan Menken por la banda sonora de la película de animación de Disney “La Bella y la Bestia”. Además, Williams estuvo nominado al Óscar en la categoría de Mejor canción original por “When You’re Alone” escrita por Leslie Bricusse y entonada por la joven intérprete Amber Scott, premio que también se le escapó de las manos.

¿Una de las peores de Spielberg?

Pues resulta que, tras lo expuesto, una de las películas que más me han emocionado de la toda carrera cinematográfica Steven Spielberg, curiosamente se la considera como una de las “peores” dentro de su filmografía… La mayoría de la crítica la destripó en el momento de su estreno, y el tiempo aún no le ha sabido hacer justicia. De hecho, hace poco, tuve la desgracia de leer una reseña de lo más aborrecible en un libro titulado “29 miradas sobre Spielberg” escrita por el director Alberto Rodríguez. Al comprarme el libro con toda la ilusión del mundo por leer la reseña de un libro, se supone escrito por fans de las películas de Spielberg, me encontré con un texto desalmado, estúpido e irreverente en relación a Hook. Eso me demuestra dos cosas: la primera que las películas no las percibimos todos de la misma manera, y la segunda que el director Alberto Rodríguez es bastante corto de miras en relación con esta obra maestra de Steven Spielberg.

«Hook está considerada como una de las “peores” películas de la filmografía de Steven Spielberg, a pesar de ser una de las que más me han emocionado».

Roberts, Spielberg, Williams Watch Dailies on 'Hook' Set, 1991.

Spielberg junto a los actores Julia Roberts y Robin Williams en 1991 durante el rodaje de Hook que pasará a la historia injustamente como uno de sus grandes “fiascos”.

«Rogue One: rojo pasión por la “guerra de las galaxias”».

22/12/2016  Texto por: SAS

¡¡ATENCIÓN: ADVERTENCIA IMPORTANTE DE SPOILERS!! ESTE ARTICULO CONTIENE INFORMACIÓN SOBRE PARTE DEL ARGUMENTO DE LA PELÍCULA.

rogue-one-4

«Rogue One rescata lo que en mis recuerdos de adolescencia conservaba de la trilogía original de películas de “La guerra de las galaxias”».

Las dos “guerras” de las galaxias

Cuando aún era un jovenzuelo oía hablar de las películas de La guerra de las galaxias. A esa trilogía de películas (que, por aquel entonces, eran los episodios IVV y VI) se la conocía popularmente como la: “guerra de las galaxias”, así, en castellano. No fue hasta que se estrenaron los siguientes episodios (los “repudiados” III y III) que no se empezó a hablar a nivel social de la franquicia Star Wars (ahora ya, en inglés) como tal. ¿Y por qué digo esto? Por varias razones, la principal porque Rogue One: una historia de Star Wars, dirigida magistralmente por Gareth Edwards, rescata lo que en mis recuerdos de adolescencia conservaba de aquella antigua trilogía original de películas de La guerra de las galaxias. Y, en segundo lugar, por el hincapié en que Edwards hace del vocablo “guerra” en esta inolvidable película. Así pues, permítame el lector que me refiera a esta brillante cinta como “guerra de las galaxias” en lugar de “Star Wars”; espero que ahora tras lo expuesto, se note la dicotomía.

Tras la enorme decepción que tuve al ver el Episodio VII: El despertar de la Fuerza (la que dirigió torpemente J.J.Abrams el año pasado), ver Rogue One creo que ha sido una de las grandes experiencias de mi vida como espectador de cine… Cualquiera que lea esto podrá pensar que soy un exagerado, pero lo cierto es que Rogue One está al nivel de la “guerra de las galaxias” original.

«Parece ser que (hablando en argot galáctico), el joven “padawan” (Edwards) ha superado al viejo maestro (Lucas) y nos ha dejado quizá el episodio más vibrante de toda la saga desde El imperio contraataca (1980, Irwin Kershner)».

Las tropas imperiales terrestres defienden su base en el exótico planeta Scarif: esta es, sin duda, la secuencia más épica del filme de Edwards.

Me sabe mal decir esto porque creo que pocas personas entendieron que Lucas pretendió innovar dentro de su propio universo con las “malditas” precuelas pero, a tenor de lo visto en el VII, queda patente que tampoco fueron tan malas como muchos han dicho sobre ellas, aunque Rogue One las supera con creces. Parece ser que (hablando en argot galáctico) el joven “padawan” (Edwards) ha superado al viejo maestro (Lucas) y nos ha dejado quizá el episodio más vibrante de toda la saga desde El imperio contraataca (1980, Irwin Kershner). Las secuencias memorables aquí se cuentan por doquier: el asalto rebelde en las calles del poblado de Jedha, la escaramuza aérea en el lluvioso planeta Eadu antes del fusilamiento de los técnicos de la estrella de la muerte, la épica batalla espacial y terrestre de Scarif (¡oh, dios mío!: ¡del nivel de Endor vista en El retorno del Jedi dirigida por Richard Marquand en el año 1983!, ¡hace ya ni más ni menos que 33 años!) mientras que en El despertar de la Fuerza no recuerdo ni una sola escena de ese estilo tan épico… La historia viene firmada por el amplio conocedor de la saga galáctica John Knoll que, además de ser el máximo responsable de los efectos especiales del filme, ha escrito junto a Gary Whitta una historia impresionante guionizada por Chris Weitz y Tony Gilroy. Poco se pensaba Knoll cuando tímidamente presentó el borrador de Rogue One a la ejecutiva de Lucasfilm que se convertiría en la gran película que es ahora…

winters_wired_john_knoll_fullbleed

John Knoll ha sido el genio de la historia y de los efectos especiales de Rogue One, ¡menuda responsabilidad! Realmente, lo ha bordado en ambos campos.

Los productores y el director de la película han pretendido darle una clara entonación bélica a esta nueva historia que se circunscribe entre los episodios III y IV, es decir, entre La venganza de los Sith (III), la trilogía de precuelas, y Una nueva esperanza (IV), la trilogía original, enlazándolas a la perfección.

Alma de metal: K-2SO

rogue-one-k2so

Una de las grandes creaciones de este nuevo episodio derivado del universo de La guerra de las galaxias es, sin duda, K-2SO. Este es un robot imperial reprogramado por la Alianza Rebelde para infiltrarse en las tropas imperiales y, así, sustraerles información vital para sus  planes de sabotaje. El rol que desempeña el robot durante el filme es ese típico perfil cómico hollywoodiense a lo Danny DeVito o Joe Pesci, pero con alma de metal. Alan Tudyk (experto actor de doblaje mayormente para cine de animación y para videojuegos) se oculta tras los cables de este simpático y entrañable personaje que dejará huella en el universo “de las galaxias…” emulando al dorado y flemático C-3PO que interpretó el afable Anthony Daniels a lo largo de la saga y que, por cierto, también hace una breve aparición a modo de “cameo” en Rogue One.

Al fan, fan y al Gareth, Edwards

maxresdefault

Gareth Edwards, vestido de stormtrooper en el set de Rogue One, se reconoce a si mismo como un fan acérrimo de la saga.

Aunque, sin duda, el mayor acierto de la película es haber contratado a Gareth Edwards para hacerse cargo de la dirección del filme. Este tío se ha declarado como un fan acérrimo del universo creado por George Lucas, confesando que se ponía siempre las películas de la trilogía original de La guerra de las galaxias mientras desayunaba antes de ir al colegio. La propia productora de Lucasfilm, la veterana Kathleen Kennedy, ha declarado en relación a Gareth Edwards lo siguiente: «Lo bueno de Gareth, y lo bueno de los realizadores con los que estamos trabajando, es que todos son fans. Todos tienen una profunda conexión emocional con Star Wars. Eso es algo realmente importante cuando buscamos personas que vayan a dirigir estas películas. Estamos buscando cuidadores, personas que se preocupan y aceptan la responsabilidad de participar en la franquicia» algo que me parece cojonudo que hayan hecho, siempre respetando al padre original de la criatura, es decir, a George Lucas. Así que, ¿qué mejor solución que usar a alguien que siente verdadera pasión por esta increíble space opera? Edwards ha dicho que Lucas la ha visto y, ¡que le ha gustado! Cosa que no sucedió con el episodio dirigido por J.J. Abrams del que dijo que era demasiado «revival». Elegante eufemismo, di que sí, George…

«Gareth Edwards se ha declarado como un fan acérrimo del universo creado por George Lucas, ¿qué mejor solución que usar a alguien que siente verdadera pasión por esta increíble space opera

Ahora tan solo espero que el siguiente spin-off, que se centrará en seguir las aventuras del personaje de Han Solo, cuyo estreno se prevé para 2018, esté al nivel de esta maravillosa y sublime Rogue One.

rogue-one-3

32 años después, surge la versión «femenina» (¿que no «feminista»?) de Cazafantasmas.

25/08/2016  Texto: SAS

¡¡ATENCIÓN: ADVERTENCIA IMPORTANTE DE SPOILERS!! ESTE ARTICULO CONTIENE INFORMACIÓN SOBRE PARTE DEL ARGUMENTO DE LA PELÍCULA.

logo-fem

A la izquierda: logo original de 1984 de los Cazafantasmas, a la derecha: logo diseñado por Kevin (Chris Hemsworth), el secretario “memo” de las nuevas Cazafantasmas. Los atributos exageradamente “grandes” de la fantasmina podrían considerarse como una clara muestra de “sexismo”, presente a lo largo del filme de Paul Feig.

¡Las chicas son guerreras! Esta expresión (popularizada en nuestro país por la mítica canción del grupo Coz, una de las más sonadas durante la época de “la movida madrileña”) parece estar totalmente en boga durante este 2016. Si bien a finales del año pasado asistimos a la revelación de una protagonista femenina para la nueva entrega de Star Wars Episodio VII: El despertar de la Fuerza (véase a Daisy Ridley en el personaje de Rey), ahora les toca el turno al elenco de mujeres seleccionadas por Paul Feig para resucitar el «fenómeno Cazafantasmas», que gozó de una gran popularidad durante los años ochenta. Pero este retorno no ha estado exento de polémica. Numerosos críticos cinematográficos y fans en general de la serie original, han tildado de “feminista” el retorno de dicho fenómeno. Paul Feig, el director de la función, no dudó en calificar a sus detractores de «misóginos» y de «gilipollas» en las páginas de la prestigiosa publicación The Hollywood Reporter.

345D27B14

De izquierda a derecha: Harold Ramis (Dr. Egon Spengler), Ernie Hudson (Winston Zeddemore), Bill Murray (Dr. Peter Venkman) y Dan Aykroyd (Dr. Raymond Stantz) fotografiados en 1984, fueron los Cazafantasmas originales.

Ghostbusters Day 16

De izquierda a derecha: Leslie Jones (Patty Tolan), Melissa McCarthy (Dra. Abby Yates), Kristen Wiig (Dra. Erin Gilbert) y Kate McKinnon (Dra. Jillian Holtzmann), fotografiadas en 2016 son las Cazafantasmas actuales.

«Numerosos críticos cinematográficos y fans en general de la serie original, han tildado de “feminista” el retorno del “fenómeno Cazafantasmas”, a lo que Paul Feig, el director de la función, no dudó en calificar a sus detractores de “misóginos” y de “gilipollas”».

¿«Feminismo» o «sexismo»? 

La verdad es que razón no le falta a Feig, aunque son varios los momentos del filme que rozan la frontera entre «feminismo» y lo que podría considerarse como «sexismo». La muestra más flagrante de este tono «sexista» son los momentos protagonizados por Kevin (interpretado por Chris “Thor” Hemsworth), un chico memo que se presenta para cubrir el puesto de oficinista de, en este caso, “las” Cazafantasmas. Hemsworth emula el papel de Louis Tully, el simpático contable que interpretó en la versión del 84 el magnífico actor Rick Moranis, prácticamente retirado de la escena de Hollywood. Decir que el pobre hace de “idiota” es poco… (¿es realmente necesario repetir el chiste de las gafas sin cristales todo el rato?). Kevin es lo peor de la película que se muestra al público como un “cachitas” usado por las chicas frecuentemente para sus bromitas y comentarios sexistas. ¡Claro que sí!, abusando del cliché de que los “guapos” siempre tienen que ser “tontos”… Además, a Kevin no le hace falta ni pasar por un proceso de selección: es contratado directamente por su formidable aspecto físico y sólo porque a todas las Cazafantasmas les hace “tilín”… Eso, sin duda, no beneficia al conjunto del filme que, por lo general, no es que esté tan mal.

Chris-Hemsworth-ghostbusters-kevin

«Chris “Thor” Hemsworth interpreta al memo oficinista Kevin, usado frecuentemente como cliché “sexista”. Sin duda, de lo peor del filme».

Otros momentos susceptibles al «sexismo» podrían ser cuando Holtzmann chupa lascivamente su cañón de protones tras “cargarse” a un fantasma. También cuando el bobo de Kevin les muestra a las Cazafantasmas su “peculiar” logo de una fantasma con unos pechos exageradamente crecidos o cuando los decanos echan a Erin y a Abby respectivamente de sus universidades. ¿Por qué tienen que ser “hombres” los que ostentan lugares de poder en lugar de mujeres? Si realmente Paul Feig quería dar una visión positiva del feminismo quizá, con todo lo dicho, le puede haber salido todo lo contrario.

Cameos “a porrillo”

No obstante, la versión de Feig conserva la frescura y la espontaneidad en los diálogos de sus dos predecesoras escritas por los creadores originales de la serie: Dan Aykroyd y el fallecido Harold Ramis. Por cierto, hablando de sus creadores, a Aykroyd le ha encantado esta nueva versión à la femme de su clásico de los ochenta y la recomienda encarecidamente a todas sus amistades. A excepción del mencionado Moranis que declinó la oferta de reaparecer, todos los actores originales (incluso el fallecido Ramis) han hecho acto de presencia de una manera u otra en esta nueva versión. Aykroyd, el histriónico Dr. Ray Stantz en la original, aparece esta vez de malhumorado taxista. Ramis (el Dr. Egon Spengler) no aparece desde el más allá, sino en forma de busto en la universidad donde trabaja la Dra. Erin Gilbert. Bill Murray (que ha boicoteado siempre el proyecto de una tercera parte con los Cazafantasmas originales) aparece en esta versión de antipático Dr. Martin Heiss, reprobando el trabajo de las Cazafantasmas, y este acaba muerto por un demonio atrapado en la trampa-fantasmal al abrirla. Annie Potts, la flemática secretaria original, aparece en la recepción de un hotel. Sigourney Weaver, la frágil violonchelista Dana Barrett, reaparece como mentora de la Dra. Holtzmann al final del filme. Pero quizá el mejor cameo ha sido el de Ernie Hudson (el Cazafantasma negro de la original, Winston Zeddemore), que sale como el tío de Patty reclamándole su coche funerario convertido en el entrañable Ecto-1. A propósito del “Cazafantasma negro”, la comunidad afroamericana ha acusado también al filme de Feig de «racista» al mostrar de nuevo a las tres blancas Cazafantasmas como científicas y a la Cazafantasma negra como una simple trabajadora del metro… En fin, hablando en plata, que el bueno de Paul Feig se las ha tenido que “comer dobladas” con esta nueva versión de Cazafantasmas, aunque la película haya cubierto con los gastos y con las expectivas iniciales.  ¿Habrá en 2021 una secuela del reboot con Ghost Corps?

dan-aykroyd-ghostbusters-2016-taxi-cab-driver-cameo

«A uno de los creadores originales de la serie, Dan Aykroyd, le ha encantado esta nueva versión à la femme del clásico de los ochenta».

El Criticabrón#1: ‘Baby Davis’, anda, ‘Bette’ por ahí…

19/08/2016 Tomás Gallego

Tenemos el gran placer de hermanarnos con el blog personal de un colega de carrera de Bellas Artes: Tomás Gallego Santamarta, que hace unas críticas muy suyas sobre pelis y demás cultura friki. En este primer “hermanamiento”, El Criticabrón nos trae una revisión del clásico de Robert Aldrich, ¿Qué fue de Baby Jane?. ¡Muchas gracias y un gran saludo, Tumaket!. ¡Ah, y por muchos Criticabrones más juntos!

‘Baby Davis’, anda, ‘Bette’ por ahí…bette-davis-loca

 

«¡Ha! ¡Ha! ¡¡HA!! 76 años echándose unas risas: el Joker en el cine y en la TV».

18/08/2016 Texto por: SAS

«Creado en abril de 1940 para el primer cómic de Batman, el Joker se ha revelado como un perfecto antihéroe, un caramelo para el actor que lo interpreta.»

Romero, Nicholson, Hamill, Ledger, Leto. Estos cinco actores tienen un mismo denominador común: todos ellos han interpretado al villano más carismático de la historia del cine (con permiso de Lord Darth Vader): el Joker. Creado por Bob Kane, Bill Finger y Jerry Robinson en abril de 1940 para el primer cómic de Batman y publicado por DC comics, el Joker se ha revelado como un perfecto antihéroe. Es como un caramelo para el actor que lo interpreta, capaz de hacerlo valedor de la preciada estatuilla dorada como fue el caso de Heath Ledger (aunque de manera póstuma). En esta entrada, analizamos 5 visiones diferentes de un mismo personaje: el Príncipe Payaso del Crimen, el As de Bandidos o el Arlequín del Odio como también es conocido al Joker.

El gentleman latino: César Romero

joker_cesar_romero_card

La primera encarnación del Joker fue la que hizo en la pequeña pantalla el actor neoyorquino de raíces cubanas César Julio Romero Jr. en la serie de los años 60. Más conocido como César Romero, él fue el único en poner las condiciones con el Joker. Romero, habituado a interpretar a “gentlemens” (lo que en España se conoce como “galanes”), se negó rotundamente a afeitarse su bigote para interpretar al famoso payaso, algo que cualquier actor accedería sin pensárselo dos veces para dar vida al Joker… La razón por la que se opuso tan férreamente en afeitárselo fue porque, según Romero, su mustache era lo que le daba personalidad como actor. Los productores de la serie accedieron pero a condición de que se lo maquillase. Romero encontró un territorio virgen con el Joker dotando al payaso de un histrionismo cómico muy fiel a las líneas maestras de Robinson, Finger y Kane y al tono humorístico de la teleserie.

cesar-romero-joker

«Romero encontró un territorio virgen y dotó al payaso de un histrionismo cómico muy fiel a las líneas maestras de Robinson, Finger y Kane.»

El mafioso dandi: Jack Nicholson 

jack_nicholson_joker_card

El debut del Joker en terrenos cinematográficos vino de la mano del controvertido y oscarizado actor americano nacido en Nueva Jersey en 1937, Jack Nicholson. De hecho, antes de que Nicholson hiciera su magnífico trabajo con el rol del Joker, los actores de Hollywood se negaban a interpretar personajes basados en cómics ya que no estaba demasiado bien visto que un actor de renombre lo hiciese. Esto, repito, fue antes de que Nicholson diera vida al Joker de Tim Burton en 1989. La película de Burton, titulada Batman a secas, fue un hito en el momento de su estreno y estuvo influenciada parcialmente en las historietas La broma asesina de Alan Moore y Brian Bolland y en El retorno del caballero oscuro de Frank Miller. Sin embargo, Burton y el propio Nicholson hicieron contribuciones decisivas en esta particular versión expresionista del malvado payaso. La más importante quizás fue que el joven Joker asesinó a los padres de Batman cuando este era solo un niño y la manera de presentarse en el filme como un dandi mafioso, además de diletante artístico. Quizás la secuencia más memorable de Nicholson como Joker sea la que protagonizó junto a Kim Basinger en un museo-restaurante donde el Joker le da su peculiar toque artístico-destructivo a las obras de arte que allí se exhiben. Señalar, por último de este Joker, su poética y aterradora frase antes de cometer un crimen: “Dime, ¿has bailado alguna vez con el demonio a la luz de la luna?”.

Jack-Nicholson-Joker_TINIMA20121221_1030_5

«Antes de que Nicholson hiciera su magnífico trabajo con el rol del Joker, los actores de Hollywood se negaban a interpretar personajes basados en cómics.»

El payaso animado: Mark Hamill

joker2bybella

La voz oficial de la versión animada del Joker se la puso el actor Mark Hamill, conocido mayoritariamente por interpretar al jedi Luke Skywalker en la primera trilogía de La guerra de las galaxias (la “buena” para muchos, es decir la comprendida entre los episodios IV y VI). Hamill ha sido la voz oficial del Joker desde 1992 en la primera serie de dibujos animados que se realizó para contar las aventuras del hombre murciélago titulada Batman: The Animated Series prolongada hasta 1994. Luego, volvió a ser la voz del Joker de 1997 a 1999 en The New Batman Adventures. Así mismo, volvió a repetir el rol del macabro payaso en 2000 en Batman Beyond. Hamill le ha proporcionado también su voz al Joker en numerosos videojuegos, el último de los cuales ha sido Batman: Arkham Knight en 2015. A pesar de su declarada admiración por ser el actor de doblaje oficial del Joker en su versión cartoon, Hamill ha ido anunciando desde 2009 que abandonaba el personaje del Joker, aunque este siempre ha vuelto para ponerle voz al bromista mafioso. “Nunca digas nunca”, clarificó Hamill en varias ocasiones para desmentir sus intentos de despedida con el Joker. Su estilo a la hora de interpretar al famoso Guasón (como es conocido en latinoamérica) fue similar al que hizo Romero en la serie de los años 60, pero Hamill le dió un matiz más sádico al Joker, versión César Romero. La carcajada entrecortada de Hamill poseía matices sombríos que llevaron al personaje a una dimensión aún más maléfica y que, sin duda, recogió Heath Legder en 2008 en la versión de Nolan para llevarlo a un estadio más perturbador. La última aportación de Hamill con el personaje fue recientemente en 2016, en el largometraje Batman: The Killing Joke, una adaptación animada del cómic clásico de Brian Bolland y Alan Moore.

mark-hamill-joker

«La carcajada entrecortada de Hamill poseía matices sombríos que llevaron al personaje del Joker a una dimensión aún más maléfica.»

La personificación del caos: Heath Ledger

heath_ledger_joker_card

Cuando todos creíamos que el mejor Joker de la historia lo había interpretado Nicholson, Christopher Nolan sorprendió a todo el mundo en 2008 con la secuela de Batman Begins, titulada The Dark Knight protagonizada por Christian Bale en el papel del murciélago enmascarado y el australiano Heath Ledger como Joker. El extraordinario papel que hizo Ledger como archienemigo de Batman le hicieron valedor del Oscar al mejor actor de reparto y al Globo de Oro. Ningún actor antes había conseguido tantas meritaciones por un rol de un personaje de cómic. Por desgracia, Ledger falleció antes de poder recoger sus merecidos premios, contribuyendo a augmentar la leyenda oscura en torno a ese Joker en particular. Dicen las malas lenguas que Ledger se recluyó solo en una habitación de hotel para construir su papel y medio enloqueció. Su versión del Joker distaba sustancialmente a la Nicholson ya que llevó al famoso payaso a límites insanos cercanos a la locura. De hecho, Ledger se expuso a algunas de las escenas más peligrosas de la película sin ningún miedo. Según los creadores de esta reinterpretación del personaje, el Joker de Ledger/Nolan fue una personificación del caos. Durante la película, el terrible payaso adquiere una dimensión de sociópata-anárquico-compulsivo capaz de cometer una atrocidad peor que en la anterior set piece. La escena del tête à tête en la comisaría entre Batman y el Joker, donde Ledger llega a estados de pura demencia será siempre la más recordada del filme de Nolan. Recuerdo personalmente estar en el cine agarrado a la butaca con el corazón encogido mientras veía actuar a Ledger en la que está considerada como una interpretación maestra del cine contemporáneo. Y como no, al igual que Nicholson, Ledger dejó otra frase para la historia: “¿Por qué tan serio?”.

heath-2

«Ledger llevó al famoso payaso a los límites de la locura siendo, según sus creadores, una personificación del caos.»

“Broda” Joker: Jared Leto

joker-leto-card

Y llegamos a la última versión del As de Bandidos: Joker versión Jared Leto. En el Escuadrón suicida dirigida por David Ayer, versado director en cine dramático y bélico, el director de Fury se atreve con el género de superhéroes (o mejor dicho, de supervillanos). En esta primera incursión cinematográfica de la “liga de los malos extraordinarios de la DC”, se presenta a un Joker considerablemente diferente a lo que hicieron sus predecesores… La verdad es que Leto defiende bastante bien durante toda la función a un personaje de tal peso específico como lo es el Joker, pero sin duda, lo mejor del filme no recae en él sino en su homóloga criminal, Harley Quinn. La Dra. Harleen Francis Quinzel (interpretada por Margot Robbie) fue la psiquiatra del Joker en su internado en el manicomio de Arkham (más conocido en la serie de “Batman” como el Arkham Asylum) que queda prendida por la personalidad neurótica de su paciente y se enamora locamente de él. Es tal su amor descontrolado que accede a morir por él arrojándose al mismo bidón de ácido donde cayó y se desfiguró el payaso asesino. Lo cierto es que la tórrida historia de amor entre Quinn y el Joker es lo mejor de la peli de Ayer, pero aquí el Príncipe Payaso no pasa de ser un mero secundario. Sin embargo, fuentes cercanas al montaje de la película (y el propio Leto) aseguran que se eliminaron al menos 22 escenas del payaso en el montaje final de la película (!). Eso desvirtúa en demasía el trabajo de Leto en el filme de Ayer en cuyo caso su interpretación podría haber sido mucho mejor. De hecho, algunos fans han interpuesto demandas a la distribuidora de la película, Warner Bros., exigiendo un nuevo montaje con las escenas eliminadas del Joker. De todas formas, analizando en concreto el trabajo actoral de Leto en este montaje del filme, el actor ha dado forma, hasta ahora, a la versión más “gamberra” del Joker en la pantalla en donde Leto le imprime un carácter más pandillero aportándole al personaje del payaso un look rapero y unos modales marcadamente afroamericanos. A pesar de su esfuerzo interpretativo, de su tatuado y original aspecto y de su ortopédica sonrisa (y, por cierto, muy importante, de lo que el montaje nos ha enseñado), el Joker de Leto no está a la altura del que interpretó Ledger ni tan siquiera del que hizo Nicholson. No obstante, se augura que Leto volverá a encarnar al Joker en Justice League: Part I de Zack Snyder prevista para 2017. A pesar lo dicho, creo sinceramente que Jared Leto se merece un ostensible “bravo” tan solo por haberlo intentado porque quizás una futura versión extendida del filme, nos revele más cosas buenas de su trabajo con el Joker.

haley-y-joker-Peter-Travers

«A pesar de su esfuerzo interpretativo, de su tatuado y original aspecto y de su ortopédica sonrisa, el Joker de Leto no está a la altura del que interpretó Ledger ni tan siquiera del que hizo Nicholson, aunque en el montaje final de la película se eliminaron 22 escenas del Joker.»

35 años de «En busca del arca perdida», éxitos y gazapos de un clásico del cine moderno.

12/06/2016 Texto por: SAS

¡¡ATENCIÓN: ADVERTENCIA IMPORTANTE DE SPOILERS!! ESTE ARTICULO CONTIENE INFORMACIÓN SOBRE PARTE DEL ARGUMENTO DE LA PELÍCULA.

image

«Tuve que esperar a que el gobierno de España se decidera a aprobar la televisión privada para que conociera a uno de mis mayores héroes de toda mi vida: Indiana Jones».

La primera vez que la vi fue el 3 de marzo de 1990. Recuerdo el día porque lo acabo de buscar en Wikipedia, ya que fue cuando inauguraron “tu cadena amiga”, sí: Telecinco… Sé que tiene delito, pero yo en el 81, cuando se estrenó En busca del arca perdida, aún era un renacuajo de 2 años… Tuve que esperar pues a que el gobierno de España se decidera a aprobar la televisión privada en este país para que conociera a uno de mis mayores héroes de juventud y, en realidad, de toda mi vida: Indiana Jones.

Siguiendo el hilo de mis recuerdos, me veo a mi mismo con 11 años portando un sombrero de cartón, burda copia del fedora que porta Indy seductor en la película de Spielberg, imitando en mi propia habitación con la magnífica banda sonora de John Williams de fondo, todos los movimientos que hacía Harrison Ford con los dedos al robar el ídolo de los Hovitos. Me sabía hasta parte de los diálogos brillantemente escritos por el guionista de la función, Lawrence Kasdan: “¡Si entierro este reloj durante mil años en la arena del desierto, ya no tiene precio! Como el Arca, los hombres matarán por ella…” le espetaba René Belloq a Indy en un bar de El Cairo en una famosa escena del filme. Indy no le mira a la cara durante su monólogo, está destrozado por la supuesta muerte de Marion, su antigua novia y compañera de aventuras. La maestría de la historia parida por Spielberg, Lucas y Kasdan, radica en los magistrales puntos de giro que tiene el guion. Marion, finalmente, no está muerta, aparece de nuevo en la tienda de campaña de Belloq secuestrada, para sorpresa de Indy. El espectador entonces respira de alivio.

«La maestría de la historia parida por Spielberg, Lucas y Kasdan radica en los magistrales puntos de giro que tiene el guion».

image

Marion e Indy, una pareja de cine.

De hecho, Marion e Indy, en toda mi cultura cinéfila (que tampoco es poca), para mi ha sido una de las mejores parejas de cine. Su historia de amor se ha ido construyendo a lo largo de los filmes de la saga (vimos al hijo de ambos, Mutt Williams en Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal (Steven Spielberg, 2008) 27 años después). Marion, interpretada por la actriz Karen Allen, fue una apuesta personal de Spielberg ya que Sean Young, la famosa replicante de Blade Runner (Ridley Scott, 1982) estuvo preseleccionada para el papel. Además, George Lucas, creador del personaje y productor ejecutivo de la película, tenía en mente al actor Tom Selleck para interpretar al famoso arqueólogo en vez de Harrison Ford. De hecho, fue Spielberg quien se ‘emperró’ con Ford mientras que Lucas fue reacio a su elección porque “no quería que se convirtiera en mi De Niro particular”. Selleck no pudo finalmente interpretar a Indiana Jones debido a que firmó un contrato con la cadena CBS para ejecutar el papel principal en la serie Magnum P.I. (1980-1988). Fue solo entonces cuando Lucas recapacitó la sugerencia de Spielberg.

image

El rodaje estuvo lleno de anécdotas pero, sin duda, la más famosa fue la que rodeó la escena del anónimo espadachín de El Cairo que quiere enfrentarse a Indy con su sabre. La secuencia englobaba varios escenarios y múltiples tomas, pero ese día de rodaje, Harrison Ford sufría una horrible disentería y le fue imposible llevarla a cabo físicamente. Spielberg o Ford (la cosa no está aún clara) le dijo a Lucas: “Oye, lo único que se me ocurre para acabar de rodar esto hoy es que Indy saque su revólver y le pegue un tiro…”. Lucas y el equipo técnico respondieron a esto con enormes carcajadas, y así mismo se rodó siendo uno de los chistes más famosos de la saga. Aunque ahora, vista en perspectiva, la secuencia convierte a Indiana Jones en un asesino a sangre fría. De hecho, el espadachín no ataca a Indy, simplemente le muestra sus artes blandiendo su sabre.

image

La escena del espadachín de El Cairo es prácticamente igual a la de Greedo y Han en La guerra de las galaxias (George Lucas, 1977).

«En busca del arca perdida es, sin lugar a dudas, una de las más grandes producciones de todos los tiempos pero no está carente de graves fallos argumentales».

La secuencia parece marca de la casa “Lucasfilm”: es exactamente la misma que la polémica escena entre Han Solo y Greedo. Dejando a un lado la ‘chapucera’ versión restaurada de 1997, en la que le mueven la cabeza digitalmente, Solo mata a sangre fría al pobre Greedo. Aunque el alienígena lo amenaza con un láser, el discurso de Greedo le deja a entender a Han que quiere liquidar la recompensa para llevarlo ante Jabba. Este diálogo pone de manifiesto las intenciones pacíficas de Greedo, sin embargo, Han Solo se lo carga…

En resumidas cuentas, En busca del arca perdida es, sin lugar a dudas, una de las mejores películas de su director y una de las más grandes producciones de todos los tiempos pero, como puso de manifiesto Amy Farrah Fowler en la estupenda serie The Big Bang Theory, no está carente de graves fallos argumentales ya que, con o sin la intervención de Indy, todos los nazis mueren al abrir el Arca. Touché Mr. Spielberg, Mr. Lucas y Mr. Kasdan…

image

Amy Farrah Fowler puso de manifiestro graves incoherencias argumentales del filme de Spielberg.

7 razones por las que considero «Donnie Darko» como la mejor película que he visto jamás.

01/05/2016 Texto por: SAS

¡¡ATENCIÓN: ADVERTENCIA IMPORTANTE DE SPOILERS!! ESTE ARTICULO CONTIENE INFORMACIÓN SOBRE PARTE DEL ARGUMENTO DE LA PELÍCULA.

3173Donnie_Darko_02

«Donnie Darko fue la mejor película de una nueva oleada de filmes considerados generacionales, ambientada en los añorados años 80».

Supongo que a estas alturas del blog mis lectores, si es que tengo alguno, se habrán percatado que no hago concesiones a la hora de redactar mis artículos: digo precisamente lo que pienso. No estoy redactando una enciclopedia donde cada dato tiene que ser sumamente objetivo. Para eso ya existe Wikipedia. Así que iba a titular esta entrada como 10 razones por las que considero Donnie Darko como la mejor película de todos los tiempos, pero eso quizás reconozco que hubiese sido excesivo…

Efectivamente, esta fue la peli que siempre quise filmar en mi época de estudiante de cine y que Richard Kelly hizo por mi en 2001. A principios del nuevo mileno, surgieron algunas de las películas que más me han inspirado y que, en cierta manera, son hermanas de una nueva oleada de filmes considerados generacionales. Memento (2000, Christopher Nolan), Donnie Darko (2001, Richard Kelly) o El efecto mariposa (2004, Eric Bress y J. Mackye Gruber) han sido algunas películas de esa nueva corriente de cine “experimental”. La película que nos ocupa, Donnie Darko, fue mi favorita y estuvo ambientada en los añorados años 80.

A continuación, expongo 7 razones por las que considero que el título que he escrito tiene su razón de ser:

donnie_darko1

«Richard Kelly, el director del filme, dijo que Jake Gyllenhaal nació para ser Donnie Darko».

1) Jake Gyllenhaal como Donnie Darko. Sin lugar a dudas, la elección del actor que encarna al memorable Donnie, Jake Gyllenhaal, es el mayor acierto de la cinta. Quizá, un actor coetáneo a Gyllenhaal como Elijah ‘Frodo’ Wood o Chris ‘Capitán América’ Evans, no hubiesen dado la talla para interpretar al rol principal. De hecho, Richard Kelly llegó a declarar en el documental del cómo se hizo la película que Gyllenhaal nació para ser Donnie. Y, a decir verdad, es una afirmación compartida.

2) Frank The Bunny. El “malo” de la función, producto de la mente enajenada de Donnie, es un conejo gigante portando una calavérica máscara plateada. La fuerza visual y el impacto que produce Frank en la pantalla hacen que sus apariciones sean sobrecogedoras. Sus pocas líneas de diálogo resultan perturbadoras y poseen un carácter mesiánico. Junto a Darth Vader y al Joker (versión Heath Ledger), no creo haber visto mejor representación del mal en la pantalla.

Donnie-Darko-2001

«Las pocas líneas de Frank The Bunny resultan perturbadoras y su fuerza e impacto visual, lo convierten en una de las mejores representaciones del mal en la pantalla».

3) El guion de Richard Kelly. Kelly, que también dirigió la película, escribió un guion sobresaliente, digno de estudio. Lo ambientó en la dorada época de los 80 y se inspiró en el material fantástico de cintas como Regreso al futuro (1985, Robert Zemeckis) o Posesión infernal (1981, Sam Raimi). La noche de Halloween, recurrente en varios filmes de los ochenta, aquí tiene una crucial relevancia, momento en el que se desarrolla el clímax de la película.

4) Una mezcla perfecta de géneros cinematográficos. En Donnie Darko, podemos encontrar al menos hasta 5 géneros cinematográficos que Richard Kelly combina en una proporción perfecta: la ciencia-ficción (en el “supuesto” viaje temporal de Donnie), el terror (en las fantasmagóricas apariciones del conejo Frank), el drama (que envuelve la muerte de Donnie), el género romántico (en la historia de amor, para nada empalagosa, entre Gretchen y Donnie) y todo ello revestido en la mejor película de adolescentes que diría se ha filmado jamás.

5) Una banda sonora de lujo. La selección musical de las canciones que suenan durante la película es de lo más acertada en relación con la temática oscura del filme y con la época en la que se ambienta la narración. Canciones de Joy Division, Echo and The Bunnymen, Tears For Fears, The Church o del legendario grupo de Danny Elfman Oingo Boingo hacen aparición en el film de Kelly. La banda sonora se completa con el material original que Michael Andrews compuso e interpretó para la película: una hipnótica suite cuyo “leitmotiv”, a modo de vals, parece haber sido compuesto desde el más allá.

8533_original

«Drew Barrymore interpretó a la controvertida profesora de literatura inglesa de Donnie y fue, mayormente, la responsable de que pudiera rodarse el filme».

6) Un reparto de secundarios formidable. Además de Jake Gyllenhaal y Jena Malone en los papeles principales, la cinta contó con las formidables interpretaciones de los actores de reparto comenzado por Holmes Osborne, el cual hizo una gran interpretación como el padre de Donnie y que, en la edición especial del DVD, se recupera una magistral escena entre él y su hijo, escena que Richard Kelly tuvo que cortar forzado por los productores del filme. Hablando de los productores, Drew Barrymore, además de interpretar a la controvertida profesora de literatura inglesa de Donnie, fue una de las mayores responsables de que se pudiera rodar Donnie Darko, la cual se involucró además en la co-producción de la película. Patrick Swayze, el fallecido actor de Dirty Dancing, por su parte, hizo de telepredicador aleccionando a los jóvenes a actuar de una manera antinatural, y que Donnie destapa que en realidad se trata de un pedófilo. Estos son solo algunos de los actores, aunque todos bordan a la perfección su rol en la película. 

bludarko1b

«El tema de la excesiva educación conservadurista norteamericana cobra una especial importancia durante la película».

7) Multiplicidad de mensajes subliminales del filme. La belleza del filme de Kelly radica en su brillante dirección y en la gran cantidad de lecturas que tiene su debut como director. Es realmente imposible enumerar todos los mensajes que contiene Donnie Darko pero, por citar unos cuantos, podemos encontrar la metafórica visión de Donnie como un Jesucristo particular que se sacrifica para salvar a Gretchen y a su propia familia, el tema de la excesiva educación conservadurista norteamericana (cuya novela Los destructores de Graham Greene cobra una especial importancia durante la película) o bien la doble moral yankee presente en muchos momentos del metraje, sobre todo en los protagonizados por el seminarista New age Jim Cunningham. Estos son solo algunos de los mensajes que convierten a Donnie Darko en un filme de culto que no gozó de un excesivo éxito en el momento de su estreno pero que el tiempo ha sabido colocar en un lugar privilegiado. Lástima que su secuela S. Darko (2009, Chris Fisher) no tenga absolutamente nada que ver con la original…

«Star Wars VII: el despertar descafeinado».

15/03/2016  Texto por: SAS

¡¡ATENCIÓN: ADVERTENCIA IMPORTANTE DE SPOILERS!! ESTE ARTICULO CONTIENE INFORMACIÓN SOBRE PARTE DEL ARGUMENTO DE LA PELÍCULA.

starwarsVII.jpg

«J.J. Abrams ha decidido hacer una peli para contentar a todos los públicos sin poner demasiado interés en el plano narrativo… Star Wars: El despertar de la fuerza no aporta nada nuevo a la saga, nada que no se haya visto en episodios precedentes.»

Se veía venir… La adquisición de Lucasfilm por parte de los estudios Disney en 2012 auguraba que la nueva trilogía de nuestra querida Guerra de las galaxias estuviera destinada excesivamente a un público infantil. Y así ha sido en parte. Pero lo peor de la nueva peli que sigue la historia principal de Star Wars no ha sido eso… Lo peor ha sido que El despertar de la fuerza no aporta nada nuevo a la saga, nada que no se haya visto en episodios precedentes. Y es que el “bueno” del J.J. (Abrams) ha decidido hacer una peli para contentar a todos los públicos sin poner demasiado interés en el plano narrativo. Volvemos a tener un droide con información esencial para resolver el final (BB-8 reeemplaza a R2-D2 en este aspecto). Volvemos a tener un “pseudo-imperio” (la Primera Orden) liderado por un villano emmascarado (Kylo Ren suple a Darth Vader con “muchísisisisimo” menos carisma). Volvemos a tener una heroína solitaria en un planeta desértico (Rey actúa en el planeta Jakku al estilo de Luke en Tatooine). Volvemos a tener una especie de Estrella de la Muerte (la base Starkiller) destruyendo planetas a tutiplén por la galaxia… El líder Snoke es una copia del emperador Palpatine… La sabia abuelita alien Maz es como el anciano maestro Yoda… Y así tantas otras cosas…

2015-12-21-1450662393-4622950-11875118_1007880092596925_2204135516599208531_o

«A George Lucas no le ha gustado el último giro de tuerca de su propia historia y ha comparado a los estudios Disney con “tratantes de blancas”.»

Y es que ni al mismo George Lucas, padre de la saga original, le ha gustado el último giro de tuerca de su propia historia escrita por el ya versado en materia galáctica Lawrence Kasdan, Michael Arndt y el propio J.J. Abrams como guionistas del descafeinado Episodio VII. Lucas decidió apearse del “tren galáctico” por las duras críticas que recibió tras haber dirigido los Episodios I, II y III. Por ello, decidió que las nuevas películas de Star Wars debían realizarlas nuevos realizadores con nuevas visiones sobre la historia. Pero parece que George Lucas juega un poco a tirar la piedra y esconder la mano, ya que al cineasta le ha desagradado profundamente el look ‘retro’ del filme y ha desdeñado duramente contra la producción de los estudios Disney comparándolos con “tratantes de blancas”. Lucas admite que su vinculación por Star Wars aún sigue y seguirá siendo muy fuerte, por eso creo que tampoco le van a entusiasmar demasiado los futuros Episodios VIII y IX, ya en producción.

En una cosa Lucas tiene razón: la historia del Episodio VII es una “mierda”. Aunque no lo expresara con tales palabras, se intuye en sus declaraciones: «Les presenté un tratamiento para estos nuevos episodios a los de Disney que ignoraron diciéndome que querían hacer sus propias películas de Star Wars para los fans. Yo les dije que ok. Visto el resultado, no me gusta… Yo sabía la historia de la próxima trilogía y Disney simplemente no la tuvo en consideración…», cuenta Lucas en la entrevista de una hora con el reputado periodista Charlie Rose. En otro momento del tête à tête, Lucas explica cómo la tecnología digital ha matado a las historias en el cine, cosa que, en parte, él ya hizo con la segunda saga (la que comprendía los Episodios I, II y III): el Episodio II, el de los clones, es el más digitalizado y “photoshopeado” de toda la saga entera y fue perpetrado por Lucas. Por eso, no se entiende cómo Abrams, que dijo que en este habrían más maquetas como las de antaño, también haya tirado por el “uso y abuso del digital”. Otros fallos graves que tiene la nueva película de Star Wars es el poco o nulo clímax en las escenas de batalla, incoherencias en la historia (¿por qué no abraza Leia a Chewbacca, después de todas las aventuras que han vivido juntos, y en cambio abraza a Rey que no ha visto en su put* vida…?),  gadgets que contradicen toda lógica (¿por qué demonios Kylo Ren luce durante toda la peli esa máscara si, como dice Han Solo, no la necesita…?), una partitura sin ningún tema nuevo “al uso”: desconcierta enormemente cómo John Williams, cercano ya a los noventa años, no haya compuesto ningún tema emblemático para la nueva saga (como hizo, lógicamente, en la trilogía original con “The Imperial March” o en la segunda trilogía con “Duel of The Fates”…).

Un-fan-habría-descifrado-la-trama-de-Star-Wars-The-Force-Awakens

«Ni las apariciones de los ya conocidos Han Solo, Chewbacca, Leia Organa, C-3PO y R2-D2 salvan con sus chistes la enlatada función.»

A mi juicio, El despertar de la fuerza es uno de los episodios más flojos de toda la saga de películas de Star Wars que ni salvan las apariciones de los ya conocidos Han Solo, Chewbacca o Leia Organa. Abrams tenía mil maneras diferentes de continuar con la historia: una anarquía interplanetaria, por ejemplo, o bien una ascensión ilegal al poder de la organización criminal Sol Negro (formada por el clan de los Hutts y demás criminales) planteada en algunos cómics, pero J.J. y su cohorte de guionistas optan por resurgir a una especie de “imperio” con su consecuente “resistencia”… Kylo, la versión descafeinada de Vader, es como un “cosplayer” portando su máscara durante casi toda la película y que solo se quita para asesinar a su padre… ¿Por qué? ¿Acaso tiene complejo de Edipo…? ¿Tenía que suceder de nuevo en una pasarela como la mítica escena de El imperio contraataca, la de «Yo soy tu padre»?. Venga, por favor, que algunos ya lo hemos visto antes… Es que ni tan siquiera C-3PO, que ya nos explicarán por qué ahora va de rojo, ni R2-D2 salvan con sus chistes la enlatada función. Por lo menos Lucas, a quien crucificaron por los tres primeros episodios, demostró entonces tener más inventiva al expandir un universo que él conoce a la perfección. Disney ahora, simplemente, no se lo ha dejado hacer.